SEÑORITA ANTIOQUIA :VERÓNICA HERNÁNDEZ GÓMEZ @verohernandez4
ANTIOQUIA, CUANDO LOS HILOS CANTAN.
Que hable el tambor con la fuerza de sus raíces, que cante la flauta con la memoria de los ancestros y que la guitarra haga vibrar el alma de la tradición antioqueña.
Que el mar preste su inmensidad, que las montañas eleven su grandeza y que la orquídea despliegue su belleza para vestir de naturaleza esta sinfonía.
En el encuentro de las culturas afrocolombianas, indígenas, andinas y campesinas, Antioquia descubre una riqueza que no cabe en una sola voz, porque está hecha de muchas historias, de distintas tradiciones y de raíces que merecen permanecer vivas.
Con hilos de algodón reciclado, enlazados mediante la técnica artesanal del macramé, nace una creación que honra el valor de las manos, la sensibilidad del oficio y el compromiso de crear belleza de manera consciente.
Cada fibra se convierte en símbolo; cada instrumento, en memoria; cada paisaje, en inspiración.
Y así, entre cuerdas, vientos y percusiones, la diversidad se hace arte y Antioquia se transforma en una sinfonía que se contempla, se siente y permanece. Sinfonía…: el alma de Antioquia, tejida en tradición y vestida de música.
Diseñador : JAIME ALBERTO ARANGO ARCILA
Artesanos : Clara Cecilia Arango de Enriques.
SEÑORITA ATLÁNTICO: LUISA ALEJANDRA GUTIÉRREZ JIMÉNEZ @luissagj
“CANTO AL ATLÁNTICO”
“Canto al Atlántico” es un ejercicio de investigación-creación que trasciende lo indumentario para configurarse como un manifiesto visual, táctil y sonoro del territorio. Esta pieza de alta costura artesanal se erige a partir de la confluencia entre los saberes ancestrales de la región y la inmortalidad musical del maestro Pacho Galán, cuyo legado rítmico —vanguardia y memoria del Caribe— dicta las pautas estructurales, las texturas y el movimiento de la obra.
El traje desarticula la noción de lo meramente ornamental para asumir un rol discursivo, relacional y profundamente sostenible. A través de una rigurosa cartografía de materiales conscientes y técnicas manuales resguardadas por comunidades locales, la pieza teje un puente sensible entre el cuerpo que la habita y la colectividad que la sustenta. Las melodías, síncopas y vivencias capturadas en las partituras de Galán se traducen aquí en formas tangibles, donde la vibración del merecumbé se vuelve relieve textil y la cadencia de nuestra identidad se hace volumen.
La obra materializa este paisaje sonoro a través de la integración de sus saberes ancestrales: los tejidos en Enea de Galapa y Palma de Iraca de Usiacurí, la técnica en crochet de Cepa de Plátano de Repelón, los módulos de Alfarería y Cerámica de Ponedera, los nudos en Macramé de Barranquilla y la grafía tridimensional del Enrollado en cordón.
En esencia, “Canto al Atlántico” es un acto de resistencia cultural, co-creación y responsabilidad ecológica; una representación viva donde la artesanía, la música y la moda consciente se fusionan para honrar la memoria y el porvenir de una región infinita.
Diseñador :
SEÑORITA BARRANQUILLA: VANESSA LÉBOLO BULA @vanessalebolo
EL ECO DE LA CUMBIA.
Se realizó un trabajo de investigación sobre la cumbia y los instrumentos que le dan vida a su sonido. La investigación permitió identificar instrumentos de viento y de percusión artesanal que forman parte de esta expresión musical.
En cuanto, a los materiales, todo el proceso se desarrolló utilizando la palma de iraca, su transformación comenzó con la recolección de la materia prima en mazos, seguida de los procesos de peinado y teñido con tintes naturales, en coherencia con el compromiso de cuidar y preservar el medio ambiente.
Con la fibra de iraca se elaboraron los elementos ornamentales del vestuario, concebidos como una memoria viva del legado musical de la cumbia, una danza que engalana nuestra cultura y se constituye un símbolo de identidad y tradición.
La falda se confeccionó con numerosos flecos de fibra de iraca peinada, entre los cuales se entretejieron representaciones de flautas y maracas que simbolizan la elegancia del andar de la mujer Barranquillera, resaltando su conexión con la música y salvaguardando las tradiciones de la ciudad.
El corsé, tejido completamente a mano, evoca la memoria musical de la cumbia y pone en valor los saberes ancestrales y el conocimiento artesanal. Por su parte, el tocado incorpora un tambor que representa la fuerza, la alegría y el ritmo característicos de esta expresión cultural. La espaldilla representa un sol que simboliza la fuerza invisible que despierta los tambores, las flautas, las maracas y la energía que mantiene viva EL ECO DE LA CUMBIA.
Diseñador del traje: ESCUELA DE ARTE Y TRADICIONES (EDA)
SEÑORITA BOGOTÁ D.C. : MARIANA MARTÍNEZ ZULUAGA @marianamartzu
SOY LA MARGARITA QUE SE LLAMA MARIANA
Vestido artesanal inspirado en la canción Te mando flores, del reconocido cantautor bogotano Fonseca, creado para la representación de la Señorita Bogotá en el Concurso Nacional de Belleza.
Esta creación busca rendir homenaje a su trayectoria y a una canción que, a través de las flores, transmite emociones y sentimientos que trascienden fronteras. El diseño resalta la delicadeza de las flores y la riqueza de los detalles elaborados a mano, utilizando materiales como fique, tusa de maíz y madera, complementados con técnicas de alambrismo y tejidos en telar con mostacillas.
Cada elemento aporta textura, volumen y originalidad, convirtiendo el vestido en una expresión de creatividad y tradición artesanal colombiana. A través de esta propuesta, se busca exaltar el talento bogotano, preservar los saberes artesanales y demostrar cómo la música puede transformarse en arte, identidad y orgullo cultural.
Diseñador del traje: Luisa Miranda, Tania Sarmiento, Luisa Ospino, Sharith Donado, Kathleen Castro, Luis Cerra (Estudiantes del programa de Diseño de modas de la Universidad Autónoma del Caribe).
Artesanos: Erika Carpio
SEÑORITA BOLIVAR: SUSANA PIÑERES VELÁSQUEZ @susipineres
LA MELODÍA DE BOLÍVAR
La melodía de Bolívar es una propuesta artesanal inspirada en la riqueza musical de nuestro departamento y en su capacidad de conectar nuestras raíces con los sonidos del mundo.
El concepto nace del clarinete de Lucho Bermúdez, uno de los grandes maestros de la música colombiana, quien contribuyó a llevar ritmos tradicionales del Caribe, como la cumbia y el porro, a los salones de baile y escenarios nacionales e internacionales. Su historia representa la evolución de nuestra música y la manera en que los sonidos de nuestra tierra han trascendido generaciones y fronteras.
A partir de esta inspiración, el traje incorpora también el saxofón como símbolo del diálogo entre nuestra tradición musical y el jazz, una expresión que encuentra un escenario especial en el Festival de Jazz de Mompox. Ambos instrumentos representan la conexión entre nuestras raíces, la exploración artística y la universalidad de la música.
Como referencia musical y emocional, la propuesta evoca Carmen de Bolívar, una de las composiciones más emblemáticas asociadas al legado de Lucho Bermúdez, cuya historia y sonoridad forman parte del patrimonio musical que identifica al Caribe colombiano.
Esta historia se traduce al lenguaje de la moda mediante la integración de técnicas artesanales como la pata de gallo, el nudillo y el revocado en chaquiras, junto con la fibra de concha de jobo. A través de sus texturas, formas y acabados, los materiales se convierten en elementos artísticos que dialogan con la silueta y los detalles de los instrumentos que inspiran la creación.
Más que representar instrumentos musicales, el traje busca contar la historia de un Bolívar que se expresa, evoluciona y trasciende a través de su música, sus tradiciones y el talento de su gente. Es también una forma de reconocer a los artesanos que, con sus manos y conocimientos, transforman materiales en arte y mantienen viva nuestra identidad cultural.
La melodía de Bolívar es, en esencia, un homenaje a los sonidos que nos representan y una invitación a descubrir un departamento cuya riqueza cultural va mucho más allá de Cartagena, llevando su historia y su talento de Bolívar para el mundo.
Diseñador del traje: Diana Rolando Barrios
Artesanos: Ana Andrea Barrios Simanca – Esmeralda González – Margaris Lorena Rodríguez
SEÑORITA BOYACÁ : CLAUDIA LUCÍA ÁLVAREZ NIÑO @claualvarezlu
EL LEGADO DE FUNA Y TENA
Este traje está inspirado en la leyenda muisca de Fura y Tena, relato ancestral que explica, desde la cosmovisión de los pueblos indígenas que habitaron el territorio boyacense, el origen mítico de la esmeralda, uno de los minerales más admirados del mundo y símbolo de la riqueza natural de Boyacá.
La propuesta reinterpreta esta historia a través de dos expresiones del saber artesanal: la tejeduría, mediante la técnica del macramé, y la alfarería, a través de piezas experimentales elaboradas en arcilla roja y esmaltadas en verde esmeralda. El tejido construye una estructura orgánica que envuelve el cuerpo, mientras las piezas cerámicas evocan las lágrimas que emergen de la montaña y se transforman simbólicamente en esmeraldas.
Cada elemento representa la fuerza de la creación artesanal y la capacidad de transformar la materia en una expresión de identidad, belleza y memoria. Así, el traje rinde homenaje a los artesanos y artesanas de Boyacá, cuyas manos mantienen vivo el patrimonio del territorio y lo proyectan hacia nuevas posibilidades estéticas.
Más que representar una leyenda, esta creación celebra el poder del amor para trascender, convirtiendo el relato ancestral en una pieza de diseño contemporáneo donde la tierra, el tejido y la cerámica se encuentran para dar vida a una joya inspirada en el alma de Boyacá.
Diseñador del traje: HELMUTH ANDRÉ BELTRÁN
Artesanos: Marlen González Niño
SEÑORITA BUENAVENTURA: SARA LISETH OBREGÓN CORTÉS @
HOMENAJE A PETRONIO ÁLVAREZ Y EL CURRULAO
Es una estilización del traje del currulao cuya falda fue elaborada con una tarraya de pescar y adornada por aplicaciones de mujeres del territorio bonaverense, en actividades propias de su cultura, pintadas al óleo, adornan esta falda también, plumas de gallo y en la parte media de la falda se destaca la partitura inicial de la obra musical” “mi buenaventura” en ritmo de currulao, autoría del maestro Petronio Álvarez, complementan este traje los elementos musicales de esta región. como el cununo marimba, guasa’ y bombo.
Diseñador del traje:Bernardo Lenis Avenia
Artesanos: Raquel Lenis Benitez – Doris Arroyo Vidal
SEÑORITA CAQUETÁ: ANA SOFÍA GÓMEZ RAMÍREZ @anasofiagzr
ECOS DEL MAGUARE
Es una creación artesanal que honra la riqueza cultural de los pueblos indígenas del Caquetá. Elaborado con semillas naturales y mostacilla, esta obra representa la conexión con la madre tierra, la memoria de nuestros antepasados y la permanencia de las tradiciones que dan identidad Regional a nuestro territorio.
Diseñador del traje:
Artesanos: Yenny Rocio Calderon Gomez –
SEÑORITA CARTAGENA : XIMENA TATIANA SILVA PADILLA @ximenasilvapadilla_
“LLEGÓ LA CUMBIA“
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Cuando las gaitas entonan sus melodías y las tamboras anuncian la fiesta, cartagena se viste de tradición y sus murallas parecen danzar al compás de una pollera.
inspirada en la composicion musical de «llegó la cumbia», interpretada por etelvina maldonado, insigne cantadora cartagenera nacida en isla de barú y símbolo de la tradición musical afrocaribeña, fuerza y afrocolombianidad, esta creación exalta el legado de una mujer cuya voz mantiene viva la esencia de nuestras raíces.
una majestuosa pollera de amplio vuelo laborada en tecnica caña flecha ilsutradac en el sombrero vueltio, elemento significativo de este ritmo musical, que engalana cada movimiento, evocando los giros de las cumbiamberas que llenan de vida las calles de la ciudad amurallada. entre sus formas florecen cayenas y se entrelazan gaitas y tamboras, mientras la torre del reloj, las murallas y los cuadros cartageneros recrean el paisaje que rodea las tradicionales ruedas de cumbia del centro histórico.
Diseñador del traje: ALFREDO BARRAZA
Artesanos: Luis Urueta Gonzalez – Jairo Daza
SEÑORITA CAUCA : ETTY ADRIANA URRESTI RIVAS @etty_u
“ECOS DEL PATÍA”
Un vestido inspirado en el departamento del Cauca, especialmente en el Valle del Patía, su identidad cultural, sus paisajes, sus tradiciones musicales, sus oficios artesanales y los materiales que representan la relación de sus comunidades con el territorio.
El vestido no es solamente una prenda estética, sino una pieza de diseño con identidad territorial, capaz de comunicar la memoria, los saberes artesanales y la riqueza natural del Patía mediante materiales, técnicas y elementos simbólicos.
El Valle del Patía se encuentra en el sur del departamento del Cauca, en una zona de características geográficas y climáticas particulares. Su paisaje está marcado por montañas, zonas cálidas, vegetación adaptada a periodos secos y la presencia del río Patía, que ha sido importante para la vida y las actividades de las comunidades.
El territorio tiene una importante presencia de comunidades afrocolombianas, cuyas expresiones culturales incluyen tradiciones musicales, narraciones orales, celebraciones y prácticas comunitarias. Estas manifestaciones constituyen una fuente de inspiración para el diseño, siempre que se representen con respeto y se reconozca a las comunidades que las mantienen vivas.
Elementos culturales del Patía que pueden inspirar el vestido:
- Los violines negros y el bambuco patiano
- La herencia afrocolombiana y la Afropatianidad
- El totumo y los oficios artesanales
- El paisaje y la biodiversidad
El diseño del vestido surge de una investigación sobre la riqueza cultural, natural y artesanal del Valle del Patía y el Dpto del Cauca, un territorio reconocido por su herencia afrocolombiana, sus tradiciones musicales y la transmisión intergeneracional de saberes. Entre sus expresiones culturales se destacan el bambuco patiano, los violines negros, la oralidad, las danzas y las prácticas artesanales, manifestaciones que contribuyen a preservar la memoria y la identidad de sus comunidades.
La propuesta busca interpretar estos valores territoriales mediante la integración de materiales naturales y técnicas de elaboración manual. La guadua, trabajada mediante la técnica de vaciado, incorpora una dimensión estructural y escultórica a la prenda, mientras que el violín artesanal constituye un elemento simbólico inspirado en la tradición musical patiana.
Las aplicaciones de flores y mariposas elaboradas en totumo representan la transformación de la materia natural en objetos ornamentales mediante procesos de corte, conformación, pintura y acabado. A su vez, las técnicas de crochet y amigurumi permiten desarrollar figuras de colibríes y libélulas que evocan la riqueza del mundo natural. La incorporación de yute tejido en telar artesanal aporta textura y establece un diálogo entre las fibras textiles y los componentes rígidos del diseño.
De esta manera, el vestido se concibe como una pieza de creación artesanal contemporánea que articula territorio, memoria, naturaleza y expresión artística. Su propósito es visibilizar el valor del trabajo manual, reconocer la importancia de los saberes culturales del Patía y proponer una interpretación de su identidad mediante el diseño de indumentaria.
Diseñador del traje: Hector del Roble
Artesanos: Odila Margoth Timana – Valentina Mazabuel Mompotes -Fabio Alveiro Velasco
SEÑORITA CESAR : MARCELA BAUTE MORALES @marcelabautem
“POESÍA VALLENATA”
El proceso creativo de este vestido artesanal nació de la inspiración de la canción vallenata Nació mi poesía, del compositor Fernando Dangond Castro, una obra que evoca las raíces, las costumbres y la riqueza cultural de Valledupar. A través de su poesía musical, se construye un relato que conecta con la memoria de nuestra tierra, sus tradiciones, sus paisajes y las expresiones cotidianas que forman parte de la identidad del pueblo vallenato.
La investigación que dio origen a esta creación estuvo orientada a comprender el significado cultural de la canción y a interpretar artísticamente los elementos que evocan sus versos, como las casitas de bahareque, los dulces tradicionales, las cometas y los paisajes de nuestra región. Estas imágenes representan la memoria de una tierra donde las costumbres, la sencillez de la vida y el sentimiento vallenato se convierten en fuente de inspiración artística. Gracias a la Institución de Educación para el Trabajo y Desarrollo Humano UPARSISTEM, a través del programa de Diseño de Modas fue posible materializar esta propuesta con la participación de docentes y estudiantes que aportaron sus conocimientos, creatividad y dedicación.
Esta colaboración se convirtió en una valiosa experiencia de investigación, creación y aprendizaje, en la que la música y la moda se unieron para dar vida a una obra con profundo significado cultural. El proceso permitió comprender que la moda puede trascender su dimensión estética y convertirse en un medio para preservar la memoria colectiva, exaltar las tradiciones y transmitir la identidad de un territorio. Cada detalle del vestido responde al propósito de transformar la inspiración musical en una expresión artística, demostrando que la poesía de una canción también puede narrarse mediante el diseño, los materiales y el trabajo artesanal. La participación de las personas involucradas en su elaboración aportó valor a esta experiencia colectiva. Los conocimientos, las habilidades y la dedicación compartida hicieron posible convertir una idea en una creación que representa el encuentro entre la música vallenata, la artesanía y el diseño de modas. Presentar este vestido en Cartagena significa llevar ante Colombia una expresión del patrimonio cultural de Valledupar.
Es rendir homenaje a una canción que recoge el sentimiento de nuestra tierra y demostrar que nuestras raíces pueden trascender las notas musicales para convertirse en arte, tradición y memoria.
Este vestido es una interpretación artesanal de «Nació mi poesía»: una canción transformada en arte para contarle a Colombia la historia, las costumbres y el alma de Valledupar.
Técnicas artesanales utilizadas Para dar vida a la pieza se combinaron diversas técnicas manuales.
Crochet: utilizado para construir detalles y elementos textiles elaborados completamente a mano, con la delicadeza de una tradición que pasa de generación en generación.
Almidonado: empleado para otorgar estructura, firmeza y formas precisas a distintas piezas, permitiendo que cada elemento conservara su presencia y elegancia.
Tejido de Bisutería: incorporada para sumar destellos, sutileza y riqueza ornamental, como pequeños reflejos de la luz del paisaje vallenato.
Pintura a mano: utilizada para representar y realzar motivos inspirados en la naturaleza, los colores y la atmósfera de Valledupar.
Espumado: trabajado para crear volumen y desarrollar formas decorativas que aportaran movimiento y profundidad al diseño.
Moldeado a mano: aplicado en la construcción de elementos tridimensionales, dando vida a formas únicas y dotando al vestido de una personalidad propia.
Diseñador del traje: Alciomar Arciniegas Oñate
Artesanos: Jadao -Lina María Núñez Morón – Saray Campo Urbaez- Milena Gutiérrez Tabares
SEÑORITA CHOCÓ :YILIANA ANDREA CUESTA CUESTA @cuestayiliana
“ANTERO, ALMA DE LA CHIRIMIA“
Las técnicas principales y utilizadas para la elaboración del traje, se tuvieron en cuenta materiales autóctonos del departamento como, Trenzado con lana, Craquelado con Cera y Parafina, Damagua, Tinturado con Insumos Naturale, Resina entre otros.
Diseñador del traje:Nubia Moreno Córdoba
Artesanos: Yhan Carlos Benitez Agualimpia – Camila Moya -Dumila Moreno
SEÑORITA GUAJIRA: SOFÍA URBINA CUELLO @sofiaurbiina
EL LATIDO DE LA KASHA: Cuando la Guajira danza
Esta creación artesanal nace como un homenaje a la riqueza musical y cultural de La Guajira, inspirada en los sonidos ancestrales del pueblo Wayuu, donde la música, la danza y el tejido son expresiones vivas de identidad, memoria y tradición.
Su principal inspiración es la Kasha, tambor tradicional que acompaña la Yonna, danza representativa de la cultura Wayuu. Su ritmo es el corazón de esta propuesta, que busca transformar el sonido en color, tejido y movimiento.
El diseño reconoce instrumentos musicales tradicionales como la Kasha, el Sawawa, el Maasi y la Turrompa, representados en el sombrero elaborado artesanalmente en palma mahuisha. Esta pieza reúne expresiones musicales y símbolos de la naturaleza guajira.
La capa posterior, elaborada en telar manual, incorpora diseños geométricos representativos de la cultura Wayuu. Sus colores y composición evocan simbólicamente el ritmo de la Kasha y el movimiento de la Yonna, destacando el valor de los saberes transmitidos entre generaciones.
La realización del traje reúne tejido en telar manual, crochet, paleteado, macramé, tejido en palma mahuisha y pintura artística a mano. Es fruto de un trabajo colectivo entre artesanos, un artista pintor y la diseñadora, en el que convergen conocimientos ancestrales y diseño contemporáneo.
«El latido de la Kasha: Cuando la Guajira danza» es un homenaje a la música ancestral, a las manos creadoras y a la identidad cultural del pueblo Wayuu: una Guajira que se expresa a través del tejido y danza orgullosa al ritmo de sus raíces.
Diseñador del traje: Lays Carolina Móvil Gámez — Diseñadora y artesana Wayuu
Artesanos: William Jose Sulbaran – Ed Ariza Cortes -Gary Alexander González -Carmen Gámez Pimienta
SEÑORITA HUILA : LUCERO ZULUAGA RUBIANO @lucerozuluagarubiano
“ASÍ SUENA COLOMBIA”
Inspiración y concepto artístico
La propuesta encuentra su inspiración en la riqueza musical del Huila y, especialmente, en la majestuosidad del sanjuanero huilense. El movimiento de sus faldas, la elegancia de sus figuras coreográficas y la alegría de sus melodías se reinterpretan en tres piezas: tocado, corpiño y falda de boleros.
Su composición cromática transita entre el fucsia, el magenta y el rojo carmesí: tonalidades que evocan la alegría de nuestras fiestas, la pasión de nuestra música y la vitalidad de una tierra que celebra sus raíces.
Los boleros evocan el movimiento del baile y cobran vida con cada paso de la candidata. Así, el traje no solamente acompaña la música: se convierte en una interpretación visual de sus ritmos.
Técnicas artesanales: manos que tejen nuestra historia
El alma de esta creación reside en el tejido manual de la palma de pindó, una técnica desarrollada en esta propuesta con la participación de artesanos del municipio de Palermo, Huila. La obra reconoce especialmente el trabajo de las mujeres artesanas de la región y el valor de los saberes transmitidos mediante sus oficios.
Bajo el diseño de José Luis Roldán, y con la participación artesanal de Ernesto Gutiérrez, María Meneses y Belén Perdomo, las fibras naturales se transforman mediante procesos manuales en los componentes del vestuario, estableciendo un diálogo entre tradición y diseño contemporáneo.
El proceso incorpora tinturado con colorantes naturales, que aporta a las fibras una gama cromática de fucsias, magentas y rojos carmesí. La riqueza visual se complementa con recamado y apliques de chaquiras elaborados manualmente en tonalidades afines al tejido, aportando textura, brillo y profundidad.
Cada aplicación es testimonio de dedicación y precisión: detrás de cada fibra entrelazada existe una historia, detrás de cada puntada hay una tradición y detrás de cada creación artesanal hay unas manos que merecen ser reconocidas.
Composición del traje: tres piezas, una misma historia
1. El tocado: la naturaleza convertida en arte
El tocado se compone de flores confeccionadas manualmente en palma de pindó, cuyas formas orgánicas evocan la flora del territorio. Sus pistilos incorporan plumas provenientes de la muda natural de aves, integradas como detalle ornamental que vincula la creación artística con los ciclos de la naturaleza.
2. El corpiño: delicadeza y precisión artesanal
El corpiño integra tejido manual de palma de pindó y un cuidadoso recamado con apliques de chaquiras realizados a mano. La combinación de fibras, matices y detalles ornamentales exalta la elegancia de la pieza y la destreza de quienes la elaboran.
3. La falda: movimiento que interpreta la música
La falda en boleros reinterpreta el dinamismo del sanjuanero huilense. Sus volúmenes evocan los giros de la danza y la sensación de una melodía en movimiento; los tonos fucsia, magenta y rojo carmesí refuerzan la fuerza expresiva de las celebraciones del Huila.
Sostenibilidad y reconocimiento de los oficios
La propuesta incorpora palma de pindó tejida manualmente, tinturado con colorantes naturales y plumas obtenidas de la muda natural de aves. Estos elementos expresan una intención de aprovechamiento consciente de materiales y de respeto por el entorno.
La participación de Ernesto Gutiérrez, María Meneses y Belén Perdomo, junto con el reconocimiento al trabajo artesanal del municipio de Palermo, hace visible el valor humano de la creación. Este traje rinde homenaje a quienes preservan sus conocimientos mediante el oficio y encuentran en él una forma de mantener viva la identidad regional.
Una creación que lleva el alma del Huila
«Huila: donde la tradición se convierte en melodía» es mucho más que una propuesta de vestuario. Es un homenaje a las manos que tejen nuestra historia, a los sonidos que acompañan nuestras celebraciones y a las tradiciones que nos permiten reconocernos como huilenses.
A través de esta creación, la Señorita Huila 2026, Lucero Zuluaga Rubiano, lleva consigo una expresión del talento artesanal de su departamento y el orgullo de representar una tierra donde la música, la naturaleza y la cultura se encuentran.
Porque nuestra identidad no solamente se escucha en las notas de un bambuco, en la alegría de una rajaleña o en el ritmo de un sanjuanero: también vive en las fibras que se entrelazan y en los colores que cuentan nuestra historia.
Diseñador del traje: José Luis Roldan
Artesanos: Ernesto Gutiérrez, María Meneses y Belén Perdomo
SEÑORITA MAGDALENA: PAULA ROSSANA GUEVARA COTES @paulagcotes
“HERENCIA DEL RIO”
La realización del traje artesanal para la Señorita Magdalena nace de un proceso de investigación, exploración material y experimentación inspirado en la canción “La Piragua”, como homenaje a la memoria cultural, las tradiciones y la identidad del departamento del Magdalena. La propuesta busca traducir el imaginario de la canción la piragua, el río, el mar y las estrellas de la noche en una creación de vestuario que conecta la narrativa musical con el diseño y los saberes artesanales del territorio.
El proceso creativo integra la investigación y selección de materiales naturales, como madera, fibras de plátano, cordón cienaguero, lino, totumo y cuentas de madera, así como la exploración de técnicas tradicionales de tejido, tallado, recamado y elaboración de flecos. La construcción del espaldar, inspirado en el tejido de mecedora cienaguera, constituye uno de los elementos más representativos de la propuesta, al integrar referencias culturales y técnicas artesanales en una estructura de gran fuerza visual. Asimismo, el top y la falda incorporan tejido de punto entero, realizado por una artesana, destacando el valor del trabajo manual y la colaboración con los portadores de estos saberes.
De esta manera, el traje celebra la riqueza de los oficios tradicionales, promueve el valor de los materiales naturales y rinde homenaje a una canción que permanece viva en la memoria colectiva del Caribe colombiano.
Diseñador del traje:
Artesanos:
SEÑORITA NORTE DE SANTANDER: NORALY MONTAÑEZ PEÑARANDA @noralymontanezp
“BRISAS DE MI TIERRA”
Inspirado en el bambuco Las Brisas del Pamplonita, este traje celebra la memoria musical de Norte de Santander y el invaluable legado de sus artesanos, quienes transforman la naturaleza en arte y los saberes heredados en expresiones vivas de identidad.
Cada fibra de mimbre, cada pepa de tagua y azaí, cada tejido de macramé y cada teñido artesanal revelan la sensibilidad, la paciencia y la maestría de manos que conocen el valor de crear. En esta propuesta, la artesanía no es un complemento: es el corazón de la historia.
El gran protagonista es un maxi sombrero de mimbre, una pieza imponente que exalta la tradición de la canastería y convierte el tejido en una declaración de identidad. Cada entrelazado habla de tiempo, precisión y conocimiento; cada detalle honra a quienes, con sus manos, preservan técnicas que merecen trascender generaciones.
En la falda, una atarraya recoge guitarras, tambores y notas musicales, evocando la pesca en el río Pamplonita y los sonidos que permanecen en la memoria de nuestro pueblo. Así, la tradición artesanal y la música se encuentran para contar una misma historia: la de una tierra que conserva su esencia a través de sus oficios y sus expresiones culturales. Brisas de mi tierra es un canto a nuestra música, a nuestra naturaleza y, sobre todo, a las manos creadoras que construyen territorio. Porque detrás de cada material hay una historia, detrás de cada tejido hay un saber y detrás de cada artesanía hay personas que mantienen viva el alma de nuestra tierra.
Diseñador del traje: Eduardo Astra
Artesanos:Felipe Gómez Cruz – María Gabriela Gutiérrez Bautista – Nora Josefa SantaFe Chaustre
SEÑORITA REGIÓN ANDINA: EIMY MARIANA UNIBIO PRATO @marianaunibio
“ACORDES DE LOS ANDES”
El traje se realizó basado en los instrumentos representativos de la Región Andina Colombiana como el tiple, la flauta, los tambores, la guitarra, el requinto y la bandola, haciendo honor a la cantante colombiana de musica andina Niyireth Alarcon, a los maestros Andelmo Duran Plazas, Jorge Villamil y Jorge Veloza, quienes en sus canciones albergan los acordes de los instrumentos ya mencionados anteriormente con algunas de sus canciones como El Vagabundo, El SanJuanero, Espumas, La Cucharita.
Diseñador del traje: Daniel David Melgarejo Garcia
Artesanos: Berney Antonio Cano Contreras
SEÑORITA REGIÓN CARIBE: MARÍA EUGENIA VEGA GONZÁLEZ @mariavega27
“BOGA”
El body está confeccionado con textil de origen natural, en el frente lleva un escote tipo balconette, con tirantas, el cuerpo del mismo esta detalladamente adornado con trenzados elaborados bajo la técnica de crochet, aportando un aire artesanal a la pieza. La falda, construida a partir de un patrón circular con cortes, genera una sucesión de arandelas verticales que evocan el movimiento de las olas del mar. Su superficie se enriquece con degradados cromáticos aplicados mediante aerografía y tintes naturales de carácter ecológico, que refuerzan la referencia al entorno marino.
El espaldar está elaborado con una composición asimétrica, equilibrada visualmente. Su recubrimiento se desarrolla mediante un entramado de hilos de origen natural, evocando la atarraya, incorporando al conjunto una referencia a las técnicas tradicionales de pesca de la región Caribe. Como complemento, el collar y los aretes conforman un conjunto de bisutería elaborado con fragmentos de cuarzo en distintas tonalidades de azul y transparencias, cuya disposición remite a los matices y reflejos del mar.
Finalmente, el tocado retoma los tejidos presentes en el body y los integra en una estructura ornamental concebida para evocar un acuario, mediante una composición que alude a los corales y otros elementos marinos. Este componente culmina la propuesta estética del vestuario y refuerza su vínculo simbólico con el paisaje costero del Caribe colombiano.
Diseñador del traje: María Alejandra Romero Jiménez – Ashley Núñez Colina -Caterina Álvarez Gallo
Artesanos: Mauricio Navarro -Luz Elis Córdoba Pallares –
SEÑORITA REGIÓN PACÍFICA: CAROLINA MELO LÓPEZ @carolinamelol
RAÍCES QUE FLORECEN: LA MEMORIA VIVA DEL PACÍFICO
Inspirado en el ritmo tradicional del currulao, y en la riqueza cultural de la región Pacífica colombiana, este traje rinde homenaje a las mujeres de la zona, como guardiana de una herencia que vive en la música, la danza, la naturaleza y la memoria de sus ancestros.
El turbante evoca la dignidad y la identidad; el sombrero, la conexión con las tradiciones y la vida de las comunidades; y las flores, la extraordinaria riqueza natural de un territorio donde la vida encuentra siempre la manera de florecer.
Las largas trenzas, adornadas con flores, constituyen una interpretación artística contemporánea: representan los caminos de una memoria que atraviesa generaciones y que, lejos de permanecer en el pasado, continúa creciendo y transformándose en las mujeres del presente.
Porque el Pacífico no es únicamente una herencia que se conserva: es una cultura viva que se mueve, se transforma y florece sin olvidar sus raíces.
Diseñador del traje:Andrés Martínez (Martínez Vestuario)
Artesanos: Maestra Artesana – Carolina Restrepo Leidy Lorena Vargas Perdomo – Beatriz Correa
SEÑORITA RIOHACHA : SHEYLA NICOLL AGUILAR BRITO. @sheilaaguilarb
“ACORDES DE MAJESTAD “
Una creación donde la música vallenata, la memoria de las reinas y la identidad de los riohacheros se convierten en diseño, movimiento y majestuosidad.
Para esta creación, se tomó como inspiración la canción Mi reina, un homenaje musical a la belleza y al legado de las reinas colombianas. A partir de esta referencia, se desarrolló junto a la reina una propuesta que conecta la identidad cultural de Riohacha con la elegancia del diseño de vestuario.
La silueta en línea A, de falda amplia y caída hasta el suelo, se convierte en el lienzo de una sublimación inspirada en el atardecer de Riohacha. En el decorado de la falda se integró un pentagrama musical con los rostros de las reinas evocadas en la introducción de la canción, creando una composición que une música, paisaje y memoria.
El corset, inspirado en la estructura del acordeón, incorpora detalles que evocan sus fuelles y generan un efecto visual de apertura con el movimiento de los brazos. La propuesta se complementa con una pieza escultórica asimétrica y un tocado de inspiración artesanal riohachera, reinterpretado desde una mirada contemporánea.
En la elaboración del traje participan dos grupos de artesanos, con tejidos de la etnia Wayúu (crochet, puyado, paleteado y tejidos con paja de palmas): artesanos de la Comunidad Indígena PESUAPA, de la etnia Wayúu y la artesana Elida María Ospino Cano.
Esta creación es el resultado de un trabajo en equipo con la reina, en el que la investigación, la sensibilidad artística y el diálogo creativo permitieron transformar una canción en una pieza que celebra la feminidad, la tradición vallenata y el orgullo de representar a Riohacha.
Diseñador del traje: Diana Margot Rolando Barrios (Diseñadora de moda)
Artesanos:Elida María Ospino Cano – Comunidad Indígena PESUAPA, artesanos de la etnia Wayúu
SEÑORITA RISARALDA : MARÍA JOSÉ ECHEVERRI GIRALDO @mariajoseecheverri
“LA VOZ DEL MAR VERDE”
Risaralda suena a bambuco y a pasillo. A las cuerdas del tiple, la bandola y la guitarra. A las composiciones que cuentan las historias de nuestros campesinos, de nuestros indígenas, de las montañas, de los cafetales y de los caminos que construyeron nuestra identidad.
Suena a los versos de Luis Carlos González, poeta pereirano que convirtió las tradiciones y la cotidianidad de nuestra tierra en canciones que han trascendido generaciones.
Suena también a la diversidad de un territorio triétnico y pluricultural, donde las tradiciones indígenas, afrocolombianas y campesinas se encuentran y enriquecen nuestra identidad.
Pero Risaralda también conoce el silencio.
El silencio que llega cuando la tierra tiembla. Cuando las casas se derrumban, cuando los lugares que guardan nuestra historia quedan destruidos y cuando, por un instante, todo parece detenerse.
Y es precisamente en ese silencio donde empiezan a escucharse las voces más importantes. La voces de la vida. Las voces de una comunidad que se une para reconstruir no solamente sus viviendas, sino también sus sueños.
Inspirado en el concepto “Así suena Colombia”, este traje artesanal busca representar las distintas formas en las que suena Risaralda: desde la alegría y el movimiento del bambuco, del pasillo y de las expresiones de los pueblos indígenas hasta la fuerza de las voces que se levantan en medio de la adversidad.
Su propuesta estética encuentra inspiración en el movimiento de nuestros ritmos tradicionales, las cuerdas de los instrumentos andinos y las expresiones artesanales de nuestro territorio, incluyendo los saberes de las comunidades Embera Chamí.
Es un homenaje a nuestra música, a nuestros artesanos, a nuestra diversidad cultural y, sobre todo, a nuestra gente.
Porque el sonido de Risaralda no está solamente en sus instrumentos ni en sus canciones. Está también en la solidaridad, en la esperanza y en la valentía de quienes vuelven a empezar. Risaralda es una tierra que se canta, que se baila y que se teje. Pero, sobre todo, es una tierra que nunca pierde su voz.
Diseñador del traje: ALFREDO BARRAZA
Artesanos: Mary Cordoba
SEÑORITA SAN ANDRÉS, PROVIDENCIA Y SANTA CATALINA : AKEMI EMILIA MANUEL CARTER @akemimanuelarter
BEAUTIFUL SAN ANDRÉS
Beautiful San Andrés un homenaje al calipso al Shotiste, a la Mazurka, al Mentó, al Cuadrille y a todos nuestros ritmos y danzas típicas de las Islas.
Beautiful San Andrés, nace como un homenaje a la riqueza cultural y musical del archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina y en especial a miss Cecilia Francis Hall “Miss Chiki “, cantautora del calipso que lleva por nombre Beautiful San Andrés. Sus líneas, In the Caribean the very best Is the beautiful island of San Andrés. Se convirtieron en la fuente de inspiración que evocan la belleza de nuestras Islas y dan vida a este diseño. El mover del viento entre las palmeras son el punto de partida para la creación de un corsé de escote off shoulder cubierto con trenzas de wildpine, trabajo de nuestras artesanas locales.
Desde el hombro derecho cayena, semillas de mamey y pequeños Cocos caen como lluvia natural, entre mezclándose con diminutas figuras de instrumentos representativos de nuestro archipiélago trabajados en técnica de papel maché. Sobre la cintura se construye una composición donde convergen arte, música y folclor el Tináfono, la Mandolina, la Quijada de Caballo, las Maracas y las Guitarras, instrumentos que forman parte de nuestras danzas cantos y expresiones musicales ancestrales todo ello se integra con el colorido y la belleza de las cayenas creando una explosión visual que celebra la identidad de nuestras Islas. A este diseño le complementa un tocado Que invita a Colombia y al mundo a cantar y bailar a ritmo de Calipso Beautiful San Andrés.
Diseñador del traje: Jed Kirk Howard González
Artesanos: Suzana Archbold – Leonmyd Morales
SEÑORITA SANTANDER : KELLY CARRILLO REY. @kellycarrillrey
“SANTANDER, SINFONIA DE CANTARES“
El traje Campesina Santandereana nace como un homenaje a la fuerza, el orgullo y la esencia de la mujer campesina, exaltando las raíces, las tradiciones y la riqueza folclórica del departamento de Santander. Su diseño integra una imponente falda negra, adornada con cintas que evocan los colores de la bandera departamental, y un torso rojo que simboliza la pasión, la alegría y el espíritu festivo de su gente. La creación se distingue por el uso de materiales artesanales como el yute, el fique, las semillas naturales y la madera tallada.
Incorpora flores elaboradas con amerón o tusas de maíz, un material vinculado a uno de los cultivos representativos de la región. Estos elementos son transformados y tinturados artesanalmente, resaltando el valor de los recursos naturales y el conocimiento transmitido por las manos artesanas.
Los instrumentos musicales, tallados especialmente para el diseño, como: Tiple, Carracas, Sambumbia, Cucharas, Esquiribillos, Alfandoque, Estirilla, Guacharaca. Celebraciones tradicionales de los pueblitos viejos santandereanos que inmortalizó el maestro José Alejandro Morales López, en la riqueza musical colombiana. Más que una prenda de vestir, esta creación constituye una expresión de identidad, memoria y patrimonio cultural. Cada detalle convierte los materiales naturales en arte, honra la tradición campesina y proyecta la riqueza cultural de Santander a través de una propuesta auténtica, innovadora y majestuosa.
Diseñador del traje: Haynner Jesús Campbell Rodríguez
Artesanos: Alfredo Rueda Rueda- Beni Arturo Vásquez Varón
SEÑORITA SUCRE: JULIANA NAVILA GÓMEZ ANAYA @juliana_navila
“ASÍ SE BAILA EL PORRO”
Este traje no es solo un vestido, es una obra musical compuesta por el maestro Leonardo gamarra bajo las notas del porro tapao cantao Imágenes.
Traje artesanal que consta de 3 piezas de alto impacto visual. Silueta de pollera en capas tipo arandelas elaborado en telar de hamaca paleteada color rojo intenso. Rematada en cancha flecha, tejido peine pinta tradicional zenu en blanco sobre negro.
La falda es diseñada para dar movimiento al andar, sobre ella nacen ramos de azucenas en colores vibrantes (Amarillo, Naranja y Rojo) bordadas en la técnica de crochet de alto relieve ubicadas estratégicamente.
Cuando la falda se abre al bailar deja al descubierto la esencia viva de la icónica pieza poética y nostálgica que se a convertido en un fenómeno del folclor sabanero, obra pintada bajo la técnica acrílico sobre lienzo por el sincelejano Julio Anachury.
En la parte superior lleva un top tipo corpiño en corte imperial asimétrico de un solo hombro. Base en tejido caña flecha cien por ciento artesanal, repujado en flores elaboradas en mostacillas, en el hombro izquierdo lleva una manga ¾ acampanada tipo mariposa elemento característico del porro confeccionada en los mismos materiales.Decorada con flores en diferentes tamaños, en la misma técnica y tonalidades.
Para complementar en la cabeza lleva un tocado que aporta significado importante a este atuendo; Instrumentos musicales de vientos y percusión elaborados en la técnica de tallado y papel maché.
La canción imágenes es un porro cantao/porro sabanero, de la autoría del maestro Leonardo Gamarra Romero nacido en Sincé- Sucre en 1940, su lugar de residencia es en Sampuès.
Esta canción es considerada hoy un himno de la sabana de sucre y Córdoba, la versión más famosa original es la interpretada por la súper banda de colomboy.
Leonardo es uno de los compositores sabaneros más importantes de la región, tiene más de 200 canciones y casi 100 registradas.
Es una canción que relata un amor imposible, de idealización muy poética. Por eso se volvió tan grande, porque no es solo parranda es poesía sabanera.
El propio maestro dice “que no la siente como canción sino como historia, como un poema hecho porro”
Diseñador del traje: NILSON FABIAN ORDOÑEZ BERTEL
Artesanos: Iseth Yaela Atencia Olivero – Lewis de Jesús Ayala Carrascal
SEÑORITA TOLIMA: VALERY ZARITH MARTÍNEZ PRADA @valery_zmp
“DIOSA DE LOS MATACHINES”
La creación de este traje artesanal surge de una investigación sobre los matachines como expresión del patrimonio folclórico del departamento del Tolima, tomando como referente la obra musical Los Matachines, del maestro Cantalicio Rojas González, compositor no nacido en el departamento, pero, que desarrolló una gran parte importante de su trayectoria artística en el Tolima y cuyo legado contribuyó al enriquecimiento de la música tradicional de nuestra región.
Su obra constituye un referente para comprender la relación entre música, danza, tradición y memoria cultural en el territorio. A partir de esta investigación, también se exploró la danza tradicional de los matachines del Tolima, sus máscaras, su vestuario y su valor dentro de las manifestaciones folclóricas que han acompañado la historia y las celebraciones populares del departamento.
El diseño y la creación del traje están a cargo de Valery Zarith Martínez Prada, diseñadora de modas y la actual Señorita Tolima al Concurso Nacional de Belleza 2026, quien transforma estos referentes culturales en una propuesta artística que integra diseño de vestuario, creatividad y técnicas artesanales. En su elaboración una de las artesanas que participa en la creación, es su madre, Diana Magally Prada Garrido, artesana y artista plástica, quien aporta su conocimiento y trabajo manual en gran parte de los bordados realizados a mano. De esta manera, la creación representa no solo una expresión de identidad regional, sino también la unión de dos generaciones alrededor del arte, el diseño y los saberes artesanales.
La propuesta cromática está inspirada en elementos representativos del paisaje y la identidad tolimense. Los tonos rosados evocan la floración de los ocobos; el morado hace referencia a los gualandayes; el azul representa el río Magdalena, símbolo de vida y conexión territorial; el verde evoca la biodiversidad del departamento, y el amarillo simboliza la luz, la calidez y la abundancia de nuestra tierra. El rojo rinde homenaje ala memoria, la resistencia y la herencia ancestral del pueblo indígena Pijao, parte fundamental de la historia del Tolima.
La elaboración integra el bordado a mano con aguja e hilo, el ensartado de cuentas de madera, el anudado y el tejido artesanal. Estas técnicas se reflejan en el body, el cinturón, la falda y los accesorios que complementan el conjunto, como el collar, el tocado, los aretes, las mancuernas y las tobilleras. La incorporación de cuentas de diferentes tamaños y colores permite construir una propuesta visual armónica, en la que los detalles hechos a mano son protagonistas.
Uno de los elementos más distintivos es el escudo inspirado en el matachín, elaborado en icopor y decorado con cuentas de madera. Su diseño aporta fuerza visual y complementa la representación del personaje tradicional. A su vez, los sonajeros andinos y las semillas de totumo incorporan texturas y sonoridad, enriqueciendo la experiencia del traje durante el movimiento y la danza.
En conjunto, esta creación busca exaltar la riqueza folclórica, natural e histórica del Tolima, reconociendo el legado de sus músicos, artistas, bailarines y artesanos. Más que una propuesta de vestuario, es una expresión de identidad y orgullo regional, elaborada desde el diseño, el trabajo artesanal familiar y el compromiso de representar la cultura tolimense en un escenario nacional.
Diseñador del traje: Valery Zarith Martínez Prada
Artesanos: Diana Magally Prada Garrido – John Dani Acosta
SEÑORITA VALLE DEL CAUCA : VALENTINA DUQUE ESTRADA @valentinaduquees
“COMO LAS FLORES”
“Como las Flores” es una alegoría a la mujer vallecaucana, inspirada en el colorido de las flores del departamento, su elegancia, movimiento y coquetería. La silueta evoca a las bailarinas de salsa de los años 60 y 70, cuando este ritmo llegó a Cali y al Valle del Cauca para nunca marcharse. Evoca también a ritmos tropicales como el mambo y el bogaloo, exaltando la feminidad y la alegría que caracteriza la cultura vallecaucana. La propuesta integra técnicas textiles artesanales y joyería ancestral, transmitidas de generación en generación, destacando la riqueza de los oficios tradicionales y la identidad cultural y ancestral del Valle del Cauca.
Diseñador del traje: Miguel Becerra
Artesanos: Blanca Alis Fonseca – Jorge Luis Triana – Fabian Felipe Tovar
Material cortesia de Concurso Nacional de Belleza®
LOS TRAJES ARTESANALES DE LAS CANDIDATAS A SEÑORITA COLOMBIA
